지휘자는 왜 필요한가 ㅡ 같은 음악이 다르게 들리는 이유

클래식 공연을 처음 보면 이런 생각이 들 때가 있습니다. " 오케스트라 단원들은 모두 악보를 보고 연주하는데, 굳이 앞에서 지휘자가 필요할까?'' 실제로 클래식을 처음 접하는 분들이 가장 많이 궁금해하는 부분 중 하나입니다. 단순히 박자만 맞추는 역할이라면 메트로놈으로 대신할 수도 있을 것 같기 때문입니다. 하지만 지휘자는 단순히 박자를 세는 사람이 아닙니다.

오케스트라 전체의 해석을 하나로 통합하고, 같은 악보를 전혀 다른 음악으로 탄생시키는 핵심인물입니다.

 

저도 클래식을 듣기 시작한 이후로 초반엔 그런 생각을 했었습니다. 그런데 얼마 전 그리그 협주곡을 루빈스타인 연주로 들었는데 오래전에 들었던 기억 속의 그 음악이 아니었습니다. 기억 속의 북구의 정서가 느껴지지 않았습니다. 그런데 리히터의 연주로 다시 들었을 때는 완전히 달랐습니다. 같은 악보인데 지휘자와 연주자와의 조합에 따라 이렇게 다를 수 있다는 것을 다시 한번 실감하였습니다.

                             AI 생성: 지휘자는 악보를 해석해 오케스트라라는 화폭에 음악을 그려내는 제2의 작곡가입니다.

 

지휘자의 역할은 무엇일까

클래식 공연을 처음 보는 분들이 가장 많은 의문 중의 하나가 아마도, " 지휘자는 꼭 필요한가요?" 일 겁니다. 저 또한 처음엔 그런 생각을 종종 했습니다. 오케스트라 단원들끼리 각자가 자신의 파트에 악보가 있으니 악보대로 연주하면 되는 거 아닐까, 더구나 악장이라는 사람도 있는데. 이런 생각이 들 때도 있었고 실제로 누가 연주해도 대부분 같은 곡이니 만큼 크게 차이 나게 들리지 않았습니다. 

그렇지만 악보에는 음표만 있는 게 아닙니다. 빠르기, 강약, 셈여림이 적혀있긴 하지만 그것은 어디까지나 어느 정도의 범위를 가리키는 기호일 뿐입니다. 예를 들면 Allegro라고 적혀있어도 얼마나 빠르게, 어느 악기를 앞세울지는 지휘자의 그 음악에 대한 이해도에 따른 작품해석에 달려 있습니다. 만일 수십 명의 각 악기의 연주자마다 자신의 해석에 따른 연주를 한다면 그날 그 음악은 매우 혼란스러울 것입니다. 지휘자는 그 각각의 해석을 하나로 통일하고 이끌어 나가는 사람입니다. 지휘자는 악보를 단순히 읽어 나가는 것이 아니라 자신만의 음악적 관점으로 해석한다는 점입니다.

초반 몇 분만 들어도 안다.ㅡ 프레이징과 아티큘레이션

클래식을 오래 들어온 분들은 연주 초반 몇 분만 들어도 어떤 지휘자인지, 이 연주가 어떻게 전개될지 대략 감을 잡는다고 합니다. 그들은 어떤 부분을 듣는 걸까요?

프레이징(Phrasing)은 음악에 있어 문장의 구조라고 할 수 있습니다. 사람이 말할 때 어디서 숨을 쉬고 어디서 강조하느냐에 따라 같은 문장도 전혀 다르게 읽힐 수 있는 것처럼 음악도 똑같습니다. 지휘자가 어디서 음악을 밀고 당기느냐에 따라 음악의 흐름이 달라집니다. 카라얀의 프레이징은 길고 유려합니다. 클라이버는 짧고 날카롭게 끊습니다. 도입부 몇 소절만 들어도 이 차이가 느껴집니다, 

아티큘레이션은 음 하나하나를 어떻게 처리하느냐입니다. 부드럽게 이어서 연주하는 레가토로 할지, 짧게 끊어서 연주하는 스타카토로 할지, 악센트를 어디에 둘 지를 지휘자가 결정합니다. 베토벤 운명의 "따따따 단" 만해도 카라얀은 묵직하게 누르고 프르트벵글러는 날카롭게 찌르는 듯합니다. 

템포 루바토는 악보의 박자를 살짝 늦추거나 당기는 것입니다. 번스타인은 루바토를 많이 써서 감정 기복이 크게 느껴지고, 카라얀은 일정하게 유지해서 웅장함이 살아납니다. 

이러한 요소들로 인해 연주시간에서 차이가 나게 마련입니다. 유튜브에서 같은 곡을 여러 지휘자로 검색해 보면 영상길이가 다릅니다. 베토벤 운명 교향곡의 경우 카라얀은 약 33분, 푸르트벵글러는 약 37분, 번스타인은 약 35분입니다. 같은 악보인데도 연주시간부터 다르다는 것은 해석이 다르다는 것을 보여주는 것이지요.

 

                                                Beethoven Symphony No.5 — Herbert von Karajan, Berlin Philharmoniker

                                                     

 

베토벤 교향곡 5번 "운명" ㅡ 세 지휘자, 세 가지 음악

베토벤 운명 교향곡은 지휘자에 따른 차이점을 가장 극적으로 보여주는 곡입니다.

카라얀/베를린 필(1963)ㅡ 완벽하고 웅장한 정밀함이 있습니다. 모든 악기가 하나의 거대한 엔진처럼 유기적으로 유연하게 돌아갑니다. 세련된 맛을 느낄 수 있습니다.

푸르트벵글러/베를린 필(1943)ㅡ 2차 세계대전의 한 복판에서 녹음된 연주입니다. 카라얀의 유려함과는 달리 거칠고 긴박합니다. 템포가 불규칙하고 흔들려서 강렬하고 야성적인 느낌을 줍니다. 카라얀과는 대조적입니다.

번스타인/ 빈 필(1970)ㅡ 극적이고 감성적입니다. 번스타인은 베토벤을 희망과 절망 사이에서 갈등하는 한 인간으로 봤습니다. 루바토를 적극적으로 사용하여 감정기복을 뚜렷하게 표현하였습니다.

이 세 연주를 통해서 지휘자는 단순히 박자를 맞추는 사람이 아니고 음악을 만들어 내는 역할을 하고 있음을 알 수 있습니다.   * 베토벤 운명교향곡 상세설명 및 감상   바로가기 

그리그 피아노 협주곡 ㅡ 루빈스타인과 리히터

앞서 말씀드린 제 경험으로 돌아가겠습니다. 루빈스타인은 전설의 세계적 피아니스트입니다. 그런데 그리그의 피아노협주곡에서는 제게 리히터의 연주가 훨씬 강렬하게 와닿았습니다. 리히터와 마타치치 지휘, 모나코 필하모닉의 조합이 만들어낸 웅장한 스케일이 이 곡의 본질을 제대로 살렸기 때문입니다. 

아무리 뛰어난 피아니스트라도 지휘자와 오케스트라가 받쳐주지 않으면 곡 특유의 맛이 살아나지 않습니다. 지휘자와 연주자의 조합이 매우 중요한 것 같습니다.

그리그 피아노 협주곡 a단조 감상하기 

4대 피아노 협주곡에서 시작하는 10선 — 시대를 넘어 사랑받아 온 피아노 협주곡들

 

카라얀 vs 클라이버 ㅡ 브람스 교향곡 1번 

브람스 교향곡 1번도 좋은 예시입니다. 카라얀의 연주는 묵직하고 웅장합니다. 반면 카를로스 클라이버의 연주는 긴장감과 드라마가 넘칩니다. 카라얀은 거대한 석조 건물처럼, 클라이버는 팽팽하게 당겨진 활시위처럼 들립니다. 클라이버는 평생 100여 회밖에 지휘하지 않은 완벽주의자였습니다. 까다롭기로 유명했지만 그가 지휘대에 서는 순간만큼은 오케스트라가 완전히 달라졌다고 합니다. 이처럼 지휘자의 개성이 음악의 성격자체에도 영향을 주고 있습니다.

마무리 

지휘자는 작곡가가 창조한 악보를 보고 그 음악을 오케스트라라는 화폭에 그려내는 예술가, 곧 제2의 작곡가인 셈입니다.

같은 운명교향곡이 카라얀에게서는 인생에서 웅장한 승리가 되고 푸르트벵글러의 손에서는 운명과 투쟁하는 처절한 몸부림이 됩니다.

프레이징 하나가, 아티큘레이션 하나가 음악이 담긴 표정을 바꾸므로 해서 감상하는 이의 느낌을 달리합니다.

클래식을 감상할 때, 같은 곡을 여러 지휘자의 버전으로 듣는 것은 반복 감상인 동시에 클래식을 이해하는데 가장 좋은 방법입니다. 반복 감상을 통해 미세한 차이를 감지하다 보면 클래식 감상의 내공이 자연스럽게 쌓입니다.