모차르트 피아노협주곡 20번 D단조, 베토벤이 카덴차를 직접 쓴 곡

모차르트 피아노 협주곡 20번 (D단조, K. 466)은 모차르트의 피아노 협주곡 중 유일한 D단조입니다. 모차르트의 피아노 협주곡은 대부분 밝고 우아합니다. 그런데 이 20번 만은 다릅니다. 모차르트 피아노 협주곡 중에서 가장 인기 있고, 가장 “어둡고 격정적”인 작품으로 평가받습니다. 낭만주의 작곡가들 중에도 이 작품을 유독 좋아한 이들이 많습니다. 특히 베토벤은 이 작품을 좋아해서 1, 3악장에 카덴차를 작곡해 넣기도 하였습니다. 대체 이곡의 매력이 무엇이었을까요. 브람스, 쇼팽과 같은 유명작곡가들을 끌어당긴 것이 무엇인지 알아보겠습니다.

 

어둠 속에서 시작해, 빛으로 끝나는 협주곡

작곡 배경

이 곡은 1785년 2월, 모차르트가 빈에서 완성한 피아노 협주곡입니다. 그가 남긴 27개의 피아노 협주곡 중 단조로 쓰인 곡은 이 20번과 훗날의 24번, 단 두 곡뿐입니다. 그마저도 이 20번이 첫 단조 협주곡이라, 당대 청중에게는 상당히 낯선 시도였을 겁니다.

 

초연은 1785년 2월 11일, 빈의 카지노 멜그루베에서 모차르트 본인의 독주로 이뤄졌습니다. 흥미롭게도 이 초연 하루 전날, 모차르트의 아버지 레오폴트가 마침 빈을 방문 중이었는데, 아들의 새 협주곡을 듣고 눈물이 날 만큼 감동적이었다는 감상을 편지에 남겼습니다. 완벽주의자로 유명했던 아버지조차 평소의 냉정함을 잃었던 셈입니다.

악장별 형식과 감상포인트

1악장 (Allegro, 소나타 형식, d단조)

현악기들이 셋잇단음표로 낮게 웅성거리며 시작하는데, 이 도입부 자체가 이미 상당히 이례적입니다. 당시 협주곡은 보통 오케스트라가 밝고 안정적인 주제를 먼저 제시하는 게 관례였는데, 이 곡은 처음부터 불안과 긴장을 머금고 시작합니다. 피아노가 등장할 때도 오케스트라의 주제를 그대로 반복하지 않고 전혀 새로운 선율로 들어오는데, 이 또한 파격입니다.

 

감상 포인트: 

• 오케스트라와 피아노가 처음부터 같은 편이 아니라, 서로 다른 이야기를 하는 듯한 긴장감으로 곡을 엽니다.
• 1악장에는 카덴차 자리가 있는데, 모차르트 본인은 악보를 남기지 않았습니다. 당시 관행상 흔한 일이었지만, 이 곡만큼은 유독 많은 후대 거장들이 저마다의 카덴차를 채워 넣었습니다. 베토벤이 1악장과 3악장을 위한 카덴차를 남겼고, 브람스도 1악장을 위한 카덴차를 썼습니다. 훔멜, 부조니, 클라라 슈만까지 이 대열에 합류했습니다. 흔한 관행이라 해도 이렇게까지 많은 대가들이 몰린 건 드문 일이라, 그 자체가 이 곡의 특별함을 보여줍니다. 

1악장의 카덴차로 인해 모차르트의 곡 속에서 베토벤의 체취를 느낄 수 있는 악장입니다.

2악장 (Romance, 론도 형식에 가까운 3부 형식, B♭장조)

1악장의 무거운 외투를 벗어던진 듯, 완전히 다른 경쾌한 걸음걸이로 시작하여 듣는 이의 마음을 감싸 안기 시작합니다. 피아노가 홀로 소박하고 다정한 주제를 노래하는데, 이 단순함이 오히려 깊은 서정을 만들어냅니다. 다만 중간부에 이르면 잠시 격정적인 g단조 대목이 끼어들었다가 다시 원래의 평온으로 돌아옵니다.

감상 포인트는: 이 악장이 완전히 평온하지만은 않다는 겁니다 — 1악장의 그림자가 아주 사라진 게 아니라, 잠깐씩 스치듯 다시 나타난다는 걸 느끼게 됩니다.

3악장 (Rondo, Allegro assai, d단조 → D장조)

다시 d단조로 돌아와 격렬하게 질주하다가, 곡의 맨 끝에 이르러서야 극적으로 D장조로 전환되며 밝게 마무리됩니다.

감상 포인트:   — 어둠과 밝음이 처음부터 나란히 공존하며 서로를 밀어내지 않고 달려가다가, 마지막 순간에야 밝음이 살짝 손을 들어주는 구성입니다. 슬픔과 활기가 서로를 타이르며 함께 뛰노는 듯한, 악장의 느낌은 유희적인 결말입니다.

단조에서 시작해 장조로 공존하기까지

1) 어둠과 밝음이 한 곡 안에서 나누는 대화

이 곡을 관통하는 흐름을 한 문장으로 정리하면 이렇습니다. 어두운 라단조로 시작해서, 2악장에서 완전히 다른 얼굴의 밝음으로 돌아섰다가, 3악장에 이르러서는 같은 라단조 안에서 밝음과 어둠이 서로를 밀어내지 않고 공존하다 결국 라장조로 손을 잡습니다. 단조 하나로 시종일관 어둡지도, 장조로 도피하지도 않고, 두 성격이 한 곡 안에서 대화하듯 오가는 구성입니다.

2) 모차르트 안에서 문득 풍기는 베토벤의 냄새

그리고 이 곡에는 또 하나의 만남이 있습니다. 모차르트가 고전주의의 끝자락에서 이미 낭만주의적인 감정의 진폭을 예고했다면, 베토벤은 그 예고에 자신만의 언어로 화답했습니다. 실제로 이 카덴차를 들어보면, 직전까지 흐르던 모차르트적인 질감 위로 문득 베토벤의 냄새가 스며드는 순간이 있습니다. 우아하고 절제됐던 흐름이 갑자기 더 단단하고 확신에 찬 어조로 바뀌는 지점, 그게 베토벤이 자신의 존재를 슬쩍 드러내는 자리입니다.

 

흥미로운 건 베토벤이 이 카덴차를 남긴 이유가 단순한 애정 표현만은 아니었을 수도 있다는 점입니다. 베토벤은 오직 작곡가가 써낸 음표만이 완전하다는 신념을 가진 사람이었고, 즉흥 연주가 자칫 위대한 작품을 훼손할 수 있다고 여겼습니다. 그러니 이 카덴차는 즉흥으로 흩어질 뻔했던 자리에, 베토벤 특유의 확신에 찬 음표를 새겨 넣은 결과인 셈입니다. 고전주의가 낭만주의에게 질문을 던지고, 낭만주의가 그 질문에 답한 셈입니다.

후배들은 무엇에 이끌렸을까

베토벤 한 사람만이 아니었습니다. 그 뒤를 이은 낭만주의 작곡가들도 유독 이 곡을 아꼈는데, 정확한 이유를 단정 짓기는 어렵습니다. 다만 짐작해보자면, 이 곡이 보여주는 어둠과 빛의 공존, 무거움과 가벼움이 한 곡 안에서 자연스럽게 오가는 그 방식이, 이후 낭만주의가 즐겨 다루게 될 감정의 진폭을 이미 예고하고 있었기 때문은 아니었을까요. 쇼팽은 이 곡을 파리에서 처음 듣고 깊은 인상을 받았다고 전해집니다.

 

두 천재가 한 곡 안에서 만나다

결국 이 곡은 두 시대가 겹쳐 쓴 하나의 악보입니다. 모차르트가 비워둔 자리에, 베토벤이 조용히 마침표를 찍은 셈입니다. 흥미로운 건 이 마침표가 도드라지지 않는다는 점입니다. 카덴차 앞뒤로 모차르트의 선율이 자연스럽게 이어지고, 그 안에서만 잠깐 다른 결의 확신이 스쳐 지나갑니다. 이질감 없이 스며든 이 마침표야말로, 앞서 말씀드린 두 시대의 만남이 실제로 귀에 들리는 순간입니다.

 

비교 감상 — 두 연주자에게서 느끼는 카덴차

우치다 미츠코& 시카고 심포니

2019년 실황입니다. 1악장 11분 38초, 3악장 30분 25초 지점에서 베토벤이 쓴 카덴차가 등장하는데, 우치다의 연주는 그 대목에서 유독 절제된 힘을 보여줍니다.

 

감상평: 
우치다의 터치는 화려하게 몰아치기보다, 어둠 속에서 한 걸음씩 딛고 올라가는 듯한 신중함이 느껴집니다. 무티가 이끄는 오케스트라도 피아노를 압도하지 않고 한 발 물러서서 받쳐주는 인상이라, 베토벤의 카덴차가 모차르트의 결 위에 자연스럽게 얹히는 느낌을 줍니다.

클라라 하스킬& 이고르 마르케비치

1960년 녹음입니다. 이 녹음은 그녀가 세상을 떠나기 얼마 전에 남긴 연주로 알려져 있습니다.

 

감상평:
화려한 기교로 밀어붙이지 않고, 마치 한 음 한 음을 조심스럽게 내려놓듯 연주합니다. 이 곡의 어둠이 하스킬의 손끝에서는 절망보다 체념에 가까운, 훨씬 애잔한 색깔로 들립니다. 1960년 녹음이라 음질은 다소 거칠지만, 그 거친 질감이 오히려 말년의 육성처럼 다가오는 부분도 있습니다.

 

두 연주를 나란히 들어보시면, 같은 곡의 같은 어둠이 연주자의 삶과 상태에 따라 얼마나 다른 무게로 다가오는지 느끼실 수 있습니다.

마무리

1악장의 무거운 외투를 거친 듯 시작해서, 2악장에선 언제 그랬냐는 듯 친근한 멜로디의 서정적이고 가벼운 걸음걸이로 외투를 벗었다가, 결국 어둠과 밝음이 나란히 손을 잡고 완주하는 곡입니다.

 

처음에 던졌던 질문으로 돌아가 볼까요. 브람스와 쇼팽 같은 낭만주의 작곡가들을 끌어당긴 게 무엇이었을까요. 아마도 이 곡이 단조 하나로만 어둡게 밀고 가지 않고, 그 무게 안에 서정적인 순간을 교차시킨다는 점, 그 감정의 진폭 자체였을 겁니다. 슬픔 속에 잠깐씩 스며드는 다정함, 이 낙차야말로 훗날 낭만주의가 가장 즐겨 다루게 될 감정의 언어였으니까요.

 

그리고 그 여정의 목적지 어딘가에, 모차르트가 비워둔 자리에 베토벤이 마침표를 찍은 흔적도 새겨져 있습니다. 한 시대를 대표하는 두 거장의 흔적이 이렇게 한 작품 안에 자연스럽게 포개진 사례는, 클래식 음악사를 통틀어도 특별하게 다가옵니다.

 

오늘 소개해드린 두 연주 중 어느 쪽의 어둠이 더 마음에 와닿으셨나요. 우치다의 절제된 신중함인지, 하스킬의 애잔한 체념인지, 댓글로 여러분의 생각을 들려주시면 좋겠습니다.

 

 

 

참고자료: 위키백과 "피아노 협주곡 20번(모차르트)", 나무위키 동일 문서, 경향신문 "올댓아트" 기사